Классическое искусство

Врубель на все руки мастер.

Михаил Врубельродился 17 марта 1856 года в Омске​. Его отец Александр Врубель служил военнымюристом. Мать была дочерью астраханского губернатора, известного картографа иадмирала Григория Басаргина.

В 1859 году мать будущего художника умерла от чахотки. Через четыре года Александр Врубель женился снова: его второй супругой стала петербурженка Елизавета Вессель. У детей сложились добрые отношения с мачехой. Она занялась их воспитанием, развитием и даже укреплением здоровья: от рождения Михаил Врубель был слабым и болезненным, даже ходить начал только в три года.

Занимались детьми и родственники Елизаветы Вессель. Ее сестра, Александра, учила детей музыке, а брат Николай, педагог, опробовал на детях новую методику обучения —развивающие игры. К десяти годам Михаил Врубель увлекался музыкой, театральным искусством и рисованием.

Однако по настоянию отца он поступил на юридический факультет Петербургского университета. Все расходы за проживание и учебу взял на себя Николай Вессель. В студенческие годы Врубель увлекался философией и театром, создавал иллюстрации к литературным произведениям. Одна из самых известных работ того времени —графическая иллюстрация «Свидание Анны Карениной с сыном», выполненная черной тушью на коричневой бумаге. Учеба на юридическом факультете не особенно привлекала Врубеля: он два года учился на втором курсе и не смог защитить дипломную работу, из-за чего получил низшую ученую степень — действительный студент.

Свидание Анны Карениной с сыном.

В университетские годы будущий художник подрабатывал гувернантом и репетитором. Так он попал в семью сахарозаводчиков Папмелей: стал репетитором их сына, с которым вместе учился.

Папмели поддерживали увлечение Михаила Врубеля рисованием. Его познакомили со студентами Академии художеств​, и вскоре Врубель стал посещать там вечерние классы и в 1880 году поступил в Академию. Будущий художник попал в мастерскуюПавла Чистякова​, параллельно занимаясь в акварельной мастерской Ильи Репина​.Он изучал основы рисунка и живописи​, осваивал акварель​ и особую методику рисования Чистякова, позволяющую рисовать объём на холсте.

Осенью 1883года Павел Чистяков порекомендовал Врубеля историку искусства Адриану Прахову тот искал художника для реставрации старинной Кирилловской церкви в Киеве. После окончания учебного года Врубель переехал в Киев. Он создавал эскизы для реставрации старых фресок, сам расписывал стены церкви и даже написал четыре иконы.

В 1885 году художник уехал в Италию​ — знакомиться с византийской и позднеримской живописью. В Равенне и Венеции он изучал средневековые витражи​ и мозаики в итальянских церквях. Во время путешествия Михаил Врубель много работал: делал эскизы, рисовал акварели, за одну ночь создал стофигурную композицию «Орфей ваду».

В Венеции Врубель познакомился с Дмитрием Менделеевым, который был женат на ученице Павла Чистякова. Ученый посоветовал художнику писать иконы не на холсте, а на цинковых пластинах, чтобы уберечь их от влаги. За следующие полтора месяца Врубель создал три такие иконы — «Святой Кирилл», «Святой Афанасий» и «Христос Спаситель».

Икона на цинковом холсте «Богома́терь с младе́нцем»

После возвращения из Италии Врубель ненадолго съездил в Одессу, а потом вновь перебрался в Киев. Он писал картины на заказ, участвовал в реставрации Владимирского собора, давал уроки рисования.

В 1889 году Врубель переехал в Москву. В эти годы он вместе с известными художниками —Ильей Репиным, Иваном Айвазовским​, Иваном Шишкиным​ — работал над иллюстрациями к Собранию сочинений Михаила Лермонтова​. Среди них были рисунки к поэме «Демон»​. А параллельно художник писал большое полотно «Демон сидящий». Позже художник создал целый «демонический цикл», состоящий из рисунков, скульптуры и живописных полотен.

Вскоре Врубель переехал из Москвы в Абрамцево​ — имение Саввы Мамонтова​. Он стал участником абрамцевского кружка, оформлял сказочные оперы Николая Римского-Корсакова​. В имении Мамонтова художник возглавил майоликовую мастерскую, создавал гипсовые скульптуры и декоративные панно на заказ, несколько раз ездил в Италию —сначала с самим Мамонтовым, затем с его сыном Сергеем.

В начале 1896года Михаил Врубель познакомился со своей будущей женой — оперной певицей Надеждой Забелой. Он сделал предложение едва ли не в тот же день, и Забела согласилась.

К моменту женитьбы у Врубеля практически не было денег, и он стал создавать на заказ театральные костюмы и декорации. В то же время художник писал картины на сказочно-мифологические сюжеты — «Царевна-Лебедь», «Пан», «Богатырь».

В 1900 году художнику присудили золотую медаль на Всемирной выставке​ в Париже за изразцовый камин «Вольга Святославич и Микула Селянинович».

В 1901 году у художника родился сын, Надежда Забела оставила сцену, и содержание семьи полностью легло на плечи Михаила Врубеля. Это ухудшило его душевное состояние: он стал замкнутым, вспыльчивым, страдал бессонницей. В эти годы он вновь писал демонов. Он часто работал по 12-14 часов в сутки. Такая работа на износ привела к тому что в 1902 году Врубеля поместили в психиатрическую лечебницу​. В моменты просветления художник узнавал окружающих, общался с ними, пытался рисовать. Уже во время болезни он создал полотна «Шестикрылый серафим», «Роза в стакане», «Жемчужина».

В 1906 году художник ослеп. Последние годы жизни он провел на попечении жены и старшей сестры. Врубель почти постоянно был погружен в собственные галлюцинации.  В это время ему присвоили звание академика. Врубель умер 14 апреля 1910 года.

Антонио Коррадини — Прозрачный мрамор и не только

Антонио Коррадини родился в Эсте, провинция Падуя (область Венето), в 1688 году в простой рабочей семье. Сведений о его обучении мало: он переехал в Венецию ещё молодым и в этом городе стал однокурсником Антонио Тарсиа, на дочери которого, Марии, женился от которой у него было много детей. Коррадини вместе с венецианскими скульпторами Джузеппе Торретти, Антонио Тарсиа, Пьетро Баратта участвовал в украшении церкви Сан-Стае

В 1716 году Венецианская республика поручила Коррадини создание памятника венецианскому военачальнику Иоханну Маттиасу фон дер Шуленбургу на острове Корфу, где он и находится по настоящее время. В 1721 году Коррадини стал официальным скульптором Венецианской республики. В этом качестве в 1725 году он был назначен ответственным за реставрацию Скала деи Гиганти и арки Фоскари во Дворце дожей в Венеции.

В 1723 году Коррадини, как принято считать, стал первым художником, который оформил отделение искусства скульпторов от профессии каменщиков, войдя в состав основанного в 1724 году коллегиума скульптуры. В 1725—1726 годах он состоял хранителем законов этого учреждения и в 1727 году стал его настоятелем.

В 1716—1717 годах Антонио Коррадини по специальному заказу выполнил восемнадцать бюстов и две статуи для Летнего сада русского царя Петра Великого в Санкт-Петербурге. Сохранились статуя «Нереида», бюсты «Петрония Прима» и «Скрибония». В 1722 году, по некоторым документам, прослеженным Жаннеттой Мацулевич, Савва Рагузинский, специальный агент русского царя Петра I по приобретению произведений искусства в Венеции, прислал в Санкт-Петербург «Завуалированную религию» работы Коррадини. Статуя и парная к ней скульптура «Веры», также завуалированная, были помещены в Летнем саду, где и оставались до 1792 года, когда были перенесены в тронный зал Зимнего дворца. Следы скульптур были утрачены после пожара дворца в 1837 году.

Заказы на следующие несколько лет поступали со всей Европы. В 1716 году Коррадини завершил мраморную скульптурную группу «Несс и Деянира» для Венеции, но несколько лет спустя она была куплена для Большого сада в Дрездене. С 1723 по 1728 он работал над «Аполлоном, сдирающим кожу с Марсия» и «Зефиром и Флорой» — двумя мраморными скульптурными группами в натуральную величину, заказанными королём Польши и курфюрстом Саксонии Августом Сильным для садов Голландского дворца в Дрездене.

 В 1729—1730 годах Коррадини переехал в Вену. В 1733 году был назначен придворным скульптором императора, получал жалованье в размере 1700 флоринов в год и жилищное пособие в размере 500 флоринов. Император Карл VI доверил ему реализацию «Памятника Ковчегу Завета» в Дьёре, на территории нынешней северо-западной Венгрии, и в 1735 году он работал по рисунку архитектора Йозефа Эмануэля Фишера фон Эрлаха над моделью гробницы Иоганна Непомука в Праге, выполненной серебряных дел мастером Иоганном Йозефом Вюртом в соборе Святого Вита в Пражском Граде.

В эти годы Коррадини создал большое количество работ. Император Карл VI нанял его для украшения Императорского фонтана в Кёльне, а позже Коррадини вылепил четыре фигуры для двух боковых алтарей под куполом церкви святого Карло Борромео в Вене, а также проектировал и руководил строительством деревянного театра для травли диких зверей под названием Hetztheater буквально «Театр травли». В 1736 году вместе с Антонио Галли Бибьиеной он был назначен придворным художником корриды, которая там проводилась, а 14 апреля 1738 года императорским указом Галли Бибьиена, Коррадини и Антонио Лопес были назначены на должность совместно управляющих театром до 1749 года.

После смерти императора Карла VI в 1740 году и его жены в 1741 году, а также архитектора Йозефа Эмануэля Фишера фон Эрлаха в 1742 году первым скульптором Вены стал Георг Рафаэль Доннер который холодно отнесся к Коррадини из-за чего тот остался без работы. В 1740 году он ненадолго посетил Рим, затем, в конце 1742 года он уехал сначала в Венецию, а затем снова в Рим. И хотя императрица Мария Терезия подтвердила его права придворного скульптора 23 января 1743 года Коррадини попросил разрешения остаться в Риме с возможностью вернуться в Вену. В Риме Коррадини создал скульптуру весталки Тукции но так и не смог ее продать. Так же он занимался проблемой восстановления купола базилики Святого Петра. Коррадини спроектировал восемь моделей колоссальных статуй, которые предлагалось разместить у подножия барабана купола, чтобы сделать его более прочным. Он также создал бюст Папы Бенедикта XIV и другие мелкие работы.

Так и не проданная Весталка

В 1744 году Коррадини переехал в Неаполь, по просьбе Раймондо де Сангро, седьмого князя Сан-Северо, чтобы наблюдать за реконструкцией семейной Капеллы Сан-Северо. Работа Коррадини над убранством капеллы представляет собой сложное и замысловатое украшение статуй, пьедесталов, алтарных фасадов, барельефов, для которых он подготовил тридцать шесть боццетти, эскизов из глины. Для главного произведения — лежащей фигуры «Христос под плащаницей» Коррадини успел изготовить лишь грубую терракотовую модель. Скульптуру же из мрамора выполнил молодой и тогда безвестный неаполитанский скульптор Джузеппе Санмартино. Терракотовый боццетто Коррадини хранится в музее Чертоза-ди-Сан-Мартино. В 1752 году Коррадини завершил «Завуалированную истину», также называемой «Скромностью», или «Целомудрием», надгробный памятник, посвящённый Чечилии Гаэтани дель Аквила д’Арагона, матери князя Раймондо, умершей вскоре после родов.

Готовая работа

Коррадини внезапно скончался 12 августа 1752 года в Неаполе. В тот же день он был похоронен в приходской церкви Санта-Мария-делла-Ротонда. Поскольку работа в капелле Сан-Северо осталась незавершённой, Раймондо ди Сангро поручил Франческо Кейроло наблюдать за оставшимися произведениями, основанными на боццетти Коррадини. В течение жизни Коррадини более всего работал на венецианских заказчиков. Его скульптуры находятся на площадях и в парках, соборах и музеях Эсте, Венеции, но также в музеях и частных собраниях Рима, Вены, Гурка, Дрездена, Детройта, Лондона, Праги, Неаполя.

Иоганн Пахельбель - Учитель Баха.

Иногда говорят, что классическая музыка вечна и не подвержена капризам моды. Канон ре мажор Пахельбеля может служить как подтверждением этому, так и опровержением. Если судить по частоте упоминаний Пахельбеля в газетах, то Пахельбель почти не был известен до 30-х годов 20-го века. Когда его органные произведения, в частности, хоральная прелюдия «Vom Himmel hoch, da komm' ich her» («Я спускаюсь с небес на землю», очень популярная в Германии), стали исполняться регулярно.

Пахельбель родился в Нюрнберге в 1653 году. Точная дата его рождения неизвестна, но, видимо, он родился в августе. Первоначальное музыкальное образование ему дали Генрих Швеммер, кантор церкви св. Себальда, и Георг Каспар Веккер, органист в той же церкви. В 15 лет Иоганн поступил в Альтдорфский университет. Во время обучения он работал органистом в одной из церквей. Однако он вынужден был бросить университет, не проучившись и года, из-за финансовых затруднений.

Альтдорфский университет в те годы

Позже Пахельбель стал учеником заведения Gymnasium poeticum в Регенсбурге, где дирекция школы, впечатлённая способностями Иоганна, разрешила ему изучать музыку вне гимназии под руководством Каспара Пренца, ученика Иоганна Каспара Керля. В 1673 году Пахельбель стал вторым органистом собора Св. Стефана в Вене.

Проведя несколько лет в Вене, в 1677 году Пахельбель переехал в Эйзенах, где получил должность придворного органиста Иоганна Георга, герцога Саксен-Эйзенахского. В Эйзенахе он сблизился с семьёй Бахов, стал близким другом Иоганна Амброзия Баха, отца Иоганна Себастьяна Баха и обучал его детей. Дружба между Бахами и Пахельбелем сохранилась и после переезда последнего в Эрфурт: Пахельбель стал крёстным дочери Иоганна Амброзия, Иоганны Юдифи, и обучал его сына Иоганна Кристофа.

В Эйзенахе Пахельбель провёл всего год: умер брат его работодателя, и в период траура количество музыкантов при дворе было сокращено, в результате чего Пахельбель остался без работы. Взяв рекомендацию у капельмейстера И. Э. Эберлина, он покинул Эйзенах в 1678 году.

В июне того же года он получил должность органиста в эрфуртской Предигеркирхе, протестантской церкви, где проработал 12 лет. Заслужив репутацию совершенного органиста и композитора, Пахельбель стал одним из самых известных немецких композиторов во время работы в Эрфурте (возможно, потому, что ему по должности приходилось сочинять хоральные прелюдии и другую музыку).

Во время пребывания в Эрфурте Пахельбель дважды вступал в брак. Первой его женой стала Барбара Габлер, но она умерла вместе с сыном во время чумы 1683 года. Во второй раз Пахельбель женился на Юдифи Дроммер. У них родилось 5 сыновей и 2 дочери. Двое из сыновей Пахельбеля, Вильгельм Иероним и Карл Теодор, также стали композиторами, авторами органной музыки, а ещё один сын, Иоганн Михаил, стал мастером музыкальных инструментов. Одна из его дочерей, Амалия, заслужила признание как художник и гравёр.

Амалия

Несмотря на то, что Пахельбель был очень успешен как органист, композитор и преподаватель, он попросил разрешения на увольнение, видимо, в надежде найти лучшую работу. Разрешение было дано 15 августа 1690 года; не прошло и трёх недель, как он стал придворным органистом и музыкантом при Вюртембергском дворе в Штутгарте под патронатом герцогини Магдалены Сибиллы. Это место было лучше предыдущего, но вскоре Пахельбель вынужден был бежать из-за угрозы французского вторжения. Он возвратился в Нюрнберг, а оттуда переехал в Готу, где стал городским органистом 8 ноября.

Бывший учитель Пахельбеля, и органист церкви св. Себальда Георг Каспар Веккер умер 20 апреля 1695 года. Городские власти настолько хотели, чтобы вакантное место занял Пахельбель, что вопреки обычаю не стали устраивать конкурс, а направили ему официальное приглашение. Пахельбель согласился и вернулся в Нюрнберг летом 1695 года; где и прожил остаток жизни. Похоронен на нюрнбергском кладбище Rochusfriedhof.

При жизни Пахельбеля наибольшую известность приобрели его органные произведения (всего более 200). Кроме того, он написал: 70 хоралов и хоральных прелюдий, более 95 небольших фуг к магнификатам, 3 ричеркара, около 20 токкат и 6 фантазий. Также Пахельбелю приписывают создание более 20 сюит, хотя только три из них точно написал он. 

Впрочем, самым знаменитым его произведением на сегодня можно назвать Канон ре мажор. Написанное в 1694 году. по случаю бракосочетания И. К. Баха. Однако оно так и не было опубликовано при жизни Иоганна. Канон увидел свет только в 1919-ом, а записан был через 21 год дирижёром Арктуром Фиделем.

Канон

Аккордовая последовательность из «Канона в ре мажор» была использована в нескольких поп-хитах в 80-х начиная со шлягера Go West диско-группы Village People, а также рэп-исполнителем Coolio в песне «C U When U Get There» с альбома My Soul 1997 года. Также на основе произведения создана песня Аллы Пугачёвой. "Посреди зимы".

Канон стал главной музыкальной темой фильма «Обыкновенные люди» 1980 года — свою версию для картины написал композитор Марвин Хэмлиш. Канон звучит в исполнении хора в самом начале фильма, а его инструментальная версия появляется в финальных титрах — также вариации на произведение звучат в музыке Хэмлиша во многих сценах. Использование музыкального произведения в этом фильме способствовало его популяризации, а также частому использованию в других фильмах и сериалах.

Несколько произведений на основе Канона.

Жизнь и творчество Зинаиды Серебряковой.

Зинаида Евгеньевна Серебрякова — русская и французская художница, одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи.

Зинаида Серебрякова родилась 10 декабря 1884 года. Детство провела в имении Нескучное в одной из наиболее прославленных искусством семей Бенуа-Лансере. Её дед, Николай Бенуа, был знаменитым архитектором, отец Евгений Лансере — известным скульптором-анималистом, а мать Екатерина Николаевна в молодости была художницей-графиком.

Когда Зинаиде было полтора года ее отец умирает от туберкулеза. Вместе с детьми Екатерина Лансере переехала в Петербург — к своему отцу. В 1900 году Зинаида окончила женскую гимназию и поступила в художественную школу, основанную княгиней М. К. Тенишевой. В 1903—1905 годах она была ученицей художника-портретиста О. Э. Браза. В 1902—1903 годах она путешествует по Италии. Вернувшись в Петербург, Серебрякова училась живописи в мастерской Осипа Браза.

В эти годы семья Лансере впервые после долгой жизни в Петербурге посетила Нескучное. Зинаида Серебрякова, привыкшая к строгим городским видам Петербурга, была очарована слельской жизнью и много рисовала. Здесь же художница встретила будущего мужа, а за одно и своего двоюродного брата, Бориса Серебрякова.

Зарисовка тех лет.

Трудность заключения брака была в том, что церковью не поощрялись браки близких родственников, к тому же Зинаида исповедовала католичество, а Борис православие. После поездок в Белгород и Харьков, многих обращений к духовным властям разногласия все же удалось преодолеть, и 9 сентября 1905 года Зинаида и Борис обвенчались в семейной церкви в Нескучном.

После свадьбы супруги уехали в Париж — там Серебрякова училась в художественной академии Гран-Шомье. После возвращения они поселились в Петербурге.

Борис Серебряков.

Широкую известность Серебряковой принес автопортрет «За туалетом», впервые показанный на большой выставке «Мир искусства» в 1910 году. За автопортретом последовало еще несколько картин. В 1911 году Серебрякова вступила в общество «Мир искусства», но отличалась от остальных членов группы любовью к простым сюжетам, гармонией, пластичностью и обобщениями в своих полотнах.

В 1914—1917 годах творчество Зинаиды Серебряковой переживало период расцвета. В эти годы она пишет серию картин на темы народной жизни, крестьянской работы и русской деревни, которая была так близка её сердцу: «Крестьяне», «Жатва», «Беление холста» и другие.

Жатва

Многие знаменитые картины Зинаиды Серебряковой создавались в её мастерской в семейном имении Нескучное. У неё часто гостили творческие звезды тех лет: Константин Сомов, Сергей Рахманинов, Сергей Прокофьев, Анна Ахматова. 

В 1914 году Александр Бенуа получил заказ на роспись зала ресторана Казанского вокзала в Москве. Он пригласил Зинаиду Серебрякову для создания серии панно «народы Востока». Представительницы Индии, Японии, Турции и Сиама были представлены в виде обнаженных одалисок. В это же время она работает над так и не законченной картиной на темы славянской мифологии.

Одалиски

Революция

Зинаида встретила революцию в родном имении Нескучном. В декабре 1917 года, в связи с начавшимися грабежами семей помещиков, семья Серебряковых переехала в Змиёв, затем, в начале 1918 года, в Харьков, где 21 марта 1919 года на съёмной квартире в доме по улице Конторской, 25 умер от сыпного тифа муж художницы Борис. Серебрякова осталась с четырьмя детьми и больной матерью без средств к существованию. В ноябре 1919 года семейное имение Серебряковых было разграблено и сожжено. Из-за отсутствия масляных красок Зинаиде пришлось перейти на уголь и карандаш. В этот период были созданы одни из самых известных групповых портретов детей Серебряковой — «На террасе в Харькове» и «Карточный домик».

Карточный домик.

Художница отказалась перейти на популярный в первые послереволюционные годы футуристический стиль или рисовать портреты комиссаров. Она нашла работу в Харьковском археологическом музее, где выполняла карандашные наброски экспонатов. В декабре 1920 года Серебряковы переехали в Петроград. Первые месяцы после переезда семья жила на Лахтинской улице, на Петроградской стороне, в квартире своих харьковских друзей, а затем вернулись в свою дореволюционную квартиру на 1-й линии Васильевского острова. Весной 1921 года художница с матерью и детьми перебралась в «фамильный дом» на улицу Глинки. В эту квартиру поселили «на уплотнение» артистов театра МХАТ. В последующие годы Серебрякова много рисовала на темы из театральной жизни. В 1924 году 14-ть её работ с успехом демонстрировались на выставке в Нью-Йорке. Особый интерес у публики вызвала картина «Спящая девочка на красном одеяле», показать которую тут я не могу.

Девочки-Сильфиды

Париж

Осенью 1924 года Серебрякова поехала в Париж, получив заказ на большое декоративное панно. Вернуться ей не удалось, и она оказалась оторванной от Родины и детей (двух детей, Александра и Екатерину все же удалось переправить за границу). Проживала она в это время по Нансеновскому паспорту, паспорт, выдаваемый Лигой наций беженцам, в 1947 году она получила французское гражданство.

В 1928—1929 и 1932 годах Зинаида Серебрякова едет в Марокко. Там она рисует Атласские горы, арабских женщин, африканцев в ярких тюрбанах. Ею также был написан цикл картин, посвящённый рыбакам Бретани.

Марокканская девушка

Хрущёвская оттепель

Во времена хрущёвской оттепели власти СССР разрешают контакты с Серебряковой. В 1960 году, после 36 лет разлуки, её посещает дочь Татьяна, ставшая театральной художницей во МХАТе. В 1966 году большие выставки работ Серебряковой были показаны в Москве, Ленинграде и Киеве. Она становится популярной в СССР, её альбомы печатаются миллионными тиражами, а картины сравнивают с Боттичелли и Ренуаром.

Поздний автопортрет

Первый балет Чайковского, "Лебединое озеро".

«Лебединое озеро» — балет Петра Ильича Чайковского, написанный в 1876 году, в четырёх актах.

Считается, что Чайковского вдохновило посещение Баварии, где композитор увидел знаменитый Нойшванштайн — «лебединый замок» короля Людвига Второго. Поэтому декорации к классической версии балета до сих пор изображают готический замок в горах. В 1871 году композитор написал для своих родственников одноактный детский балет «Озеро лебедей».

Через четыре года он получил заказ от Московской дирекции Императорских театров. Предложенное ему либретто Владимира Бегичева и Василия Гельцера было основано на сюжетах народных сказок о заколдованных девушках, превращенных в лебедей, и было пронизано романтической идеей всепобеждающей любви.

Чайковский, часто сочинял музыку на заказ, поэтому он охотно взялся это дело. «отчасти ради денег, в которых нуждаюсь, отчасти потому, что … давно хотелось попробовать себя в этом роде музыки» как описывал причины он сам. Для балета частично использовалась партитура уничтоженной композитором оперы «Ундина».

Первоначально сюжет был таким: принц Зигфрид празднует совершеннолетие. Друг принца, увидев пролетающих лебедей, зовет его на охоту. Юноша попадает в «гористую дикую местность» с озером. При свете луны заколдованные лебеди сбрасывают крылья, становясь девушками во главе с Одеттой. Принц влюбляется в нее. На балу во дворце для принца танцуют красавицы, но он полон воспоминаний об озере и не хочет выбрать себе невесту. Неожиданно прибывает «злой гений» фон Ротбарт с дочерью Одиллией. Коварная девица притворяется Одеттой и обольщает принца. Он дает клятву верности, тем самым предавая Одетту. «Сцена мгновенно темнеет, раздается крик совы, одежда спадает с фон Ротбарта, и он является в виде демона. Одиллия хохочет. Окно с шумом распахивается, и на окне показывается белая лебедь с короной на голове. Принц с ужасом бросает руку своей новой подруги и, хватаясь за сердце, бежит вон из замка».

Последнее действие во многом совпадает с тем, что мы видим сегодня. Герои, сопротивляясь козням Ротбарта, гибнут в волнах озера.

Премьера прошла 20 февраля (4 марта) 1877 года на сцене московского Большого театра в исполнении артистов императорской труппы. Оригинальная хореография принадлежала балетмейстеру Венцелю Рейзингеру. Балет делился на четыре акта — по одной картине в каждом. Первой исполнительницей партий Одетты и Одилии стала Полина Карпакова. На четвёртом представлении главную партию впервые исполнила Анна Собещанская. Постановка была признана неудачной, продержалась восемь сезонов, после чего сошла со сцены.

В следующий раз «Озеро» поставят только в 1895-м на сцене Мариинского театра. О партитуре вспомнили, желая почтить память умершего Чайковского. Балетмейстером Маркусом Петипа совместно с Модестом Чайковским, были заново пересмотрены либретто и, совместно с композитором Рикардо Дриго — партитура. Петипа принадлежали хореография I акта, III акт и апофеоз; Льву Иванову — II акт, венецианский и венгерский танцы III акта и IV акт.

Версия Петипа—Иванова стала классической на десятилетия. Она лежит в основе большинства последующих постановок «Лебединого озера», за исключением модернистских. Чаще всего используется каноническая хореография второго, «белого», акта Иванова и «чёрного» Петипа. Однако влияние петербургской постановки на всю последующую судьбу балета гораздо шире механического воспроизведения отдельных её элементов. По сути, в ней были заложены основные традиции, определяющие подход новых балетмейстеров к авторскому тексту П. И. Чайковского. Свободный пересмотр либретто и столь же свободная перекомпоновка партитуры с пополнением её фрагментами не балетной музыки П. И. Чайковского прочно вошли в театральный обиход.

В 1933 году в бывшем Мариинском театре балет был переставлен в редакции Агриппины Вагановой. На волне советской пропагандистской борьбы со сказкой и всяким волшебством в искусстве, спектакль стал более «историческим». Партия заколдованной принцессы-лебедя была впервые разделена на двух героинь: принцессу и её соперницу.

В 1969 году Юрий Григорович создал свою версию «Лебединого озера». На сцене Большого театра он сохранил фрагменты Петипа, Иванова и Горского. Но не смог поставить трагический финал: от него пришлось отказаться по-идеологически причинам. Григорович мыслил мотивом двойников: Злой гений стал вторым «я» положительного героя, маячащим у принца за спиной.

В конце XX века на мировых сценах появились разные версии «Лебединого озера», не связанные ни с классическим танцем, ни с прежней постановочной традицией. В поисках новых смыслов хореографы отказывались от традиционного сюжета. Волшебная сказка становилась отправной точкой для разного рода рефлексий на актуальные проблемы современности.

Современные версии:

Швед Матс Эк в своем «Лебедином озере» 1987 года искусно смешал черное и белое. Одиллия притворяется Одеттой, а злая женщина — злым волшебником. Принц становится жертвой клановых козней, история деспотичной матери, не дающей житья застенчивому ребенку, перерастает в гротескную психоаналитическую драму, а к эпатажному облику и пластике лысых лебедей-андрогенов публике в свое время пришлось привыкать.

Британский постановщик Мэтью Борн известен балетом, в котором все лебеди — мужчины. Но сделано это не для эпатажа. «Лебединое озеро» 1995 года — гуманистический и светлый спектакль с полностью оригинальной хореографией. Действие происходит в наши дни, а в визуальных реалиях балета многие узнали Великобританию. Это притча об одиночестве и о том, что против стаи идти невозможно и опасно, будь ты птица, обычный человек или особа королевских кровей.

Хореограф Грэм Мерфи, вольно отнесся к партитуре Чайковского, когда в 2002 ставил балет, в котором находят намеки на конфликт между британским принцем Чарльзом и принцессой Дианой. По версии спектакля в Австралийском балете, Одетта вынуждена делить своего любимого с некоей баронессой фон Ротбарт, отчего нежная девушка попадает в сумасшедший дом.

Одна из последних версий — «Лебединое озеро» 2014 года в Норвежском балете. Ее автор Александр Экман воспроизвел на сцене историю первой постановки балета в России (с драматическими актерами и словесным текстом) и создал на сцене настоящее озеро, для чего понадобилось 6000 литров воды. Кульминация — драка Черного и Белого лебедя в изысканных дизайнерских костюмах.

Из поставки Экмана

Впрочем, в последние годы наряду с постановочным радикализмом набирает силу противоположное, реставрационное направление, когда современные хореографы пытаются восстановить сценический облик первых представлений балета.

Яица Фаберже – Символ богатства Императорского дома и Российской Империи.

Ювелирный дом Фаберже был открыт в Санкт-Петербурге в 1842 году. Основатель фирмы, Густав Фаберже, происходил из рода французских протестантов-гугенотов, что сбежали в Германию после отмены Нантского эдикта, однако его отец переехал в Россию где у него и родился сын. О ранней жизни Густава мало что известно, он учился в Петербурге и там же открыл фирму в небольшом подвале. Поначалу дела у Густавашли средне. Заказы были, но ни о какой популярности речи идти не могло.

В 1846 году у Густава родился сын Карл. И он сделал всё, чтобы дать первенцу блестящее образование. Сначала Карл учился в одной из петербургских гимназий, а затем продолжил обучение в Дрездене у лучших ювелиров Европы. Карл не отличался талантом, но подходил к ювелирному делу как учёный, изучая всевозможные методики работы с драгоценными камнями и металлами.

В 1864 году Карл вернулся в Санкт-Петербург. Где он начал сотрудничать с Эрмитажем. Занимаясь исследованием и реставрацией ювелирных изделий. Густав был доволен достижениями сына и передал ему контроль над фирмой, а сам уехал в Дрезден и где и прожил до самой своей смерти в 1893-ем. В управлении бизнесом Карлу помогал младший брат Агафон и в 1882 году они представили свои работы на Всероссийской художественно-промышленной выставке, проходившей в Москве. Там их заметил император Александр III и назначил Карла ювелиром Его императорского Величества и ювелиром Императорского Эрмитажа. Это звание позволило Карлу выйти на совершенно новый, всеевропейский, уровень.

Весной 1885-гоИмператор заказывает у Фаберже необычный подарок для Марии Фёдоровной, императрицы, это должно было быть яйцо снаружи покрытое белой, эмалью, имитирующей скорлупу, а внутри, в «желтке» из матового золота, — изготовленная из цветного золота курочка. Внутри курочки, в свою очередь, были спрятаны небольшая копия императорской короны из золота с бриллиантами и цепочка с рубиновым кулоном. Похожие яйца делали на родине императрицы в Дании. Мария Федоровна была так очарована подарком, что Фаберже, превратился в придворного ювелира и получил заказ изготавливать по яйцу ежегодно, к пасхе, каждому яйцу следовало быть уникальным и содержать какой-либо сюрприз, это было единственным условием.

В следующем году Карл представил монарху курочку с сапфировым кулоном внутри. Однако это яйцо стало последним из «простых». В последующие годы мастера Фаберже усложняли изделие.

Конечно же Карл не работал один, Дом Фаберже уже тогда представлял из себя крупное предприятие, а позже вообще станет конгломератом множества ювелирных фирм с высокой автономией. Имена некоторых из них известны: Михаил Перхин – ведущий мастер, Август Холмстрём – руководитель мастерской в Петербурге, Франц Бирбаум - главный мастер и художник, Хенрик Вигстрём –помощник Михаила Перхина, позже ведущий мастер и Альма Пиль бывшая единственной женщиной, когда-либо работавшей в фирме. Каждый из них поучаствовал в создании хотя бы одного из яиц, но помимо этого они выпускали собственные украшения.

С годами слава яиц Фаберже стала столь велика что у Карла стали заказывать яйца и другие богатые семьи. Юсуповы,Кельхи, Ротшельды, Нобели.

После установления советской власти фабрики и магазины Фаберже в Петрограде, Москве иОдессе были национализированы. В Петрограде в руки большевиков попали практически все запасы драгоценных металлов, камней и уже готовых изделий, за которые владельцам не было выплачено никакой компенсации. Спасти от национализации удалось лишь маленькую долю изделий, которые Евгений Фаберже, старший сын Карла, незадолго до этого смог вывезти в Финляндию. Впоследствии большевики продавали яйца за рубеж по в 400 долларов за штуку. Так, Эмануил Сноумэн из торгового дома Wartski вспоминал, что в период с 1925 по 1939 годы он регулярно приобретал у советского правительства большое количество изделий Фаберже, в том числе шесть пасхальных яиц, прямо в расположении бывшего петроградского магазина Карла Фаберже на Большой Морской.

Сам Карл бежал из страны в 1918 году и смог осесть только в Висбадене. Революция сильно подкосила его здоровье, и он умер от сердечного приступа в 1920 году.

Некоторые яйца удалось вернуть на родину, они выставляются в Эрмитаже, Оружейной палате,  Минералогическом музее и в музее Фаберже, но многие яйца все еще находятся вмузеях других стран или в частных коллекциях.

Фотографии всех сохранившихся яиц я выложу отдельным постом, с описанием и местом нахождения.

Последний день Помпеи. Русский Академизм

В 1827 году ещё малоизвестный русский художник Карл Брюллов в ходе своего путешествия по Италии побывал в засыпленных пеплом Помпеях. Это произвело на художника большое впечатление и он решил изобразить гибель знаменитого города.

В те годы была мода на картины изображающие Помпеи и Геркуланум, двух городов уничтоженных извержением Везувия. Поэтому Карл легко нашел заказчика, им стал известный меценат Анатолий Демидов.

Карл начал работу в 1827 году а закончил спустя шесть лет в 1833.

После завершения работы Бирюлев начал публичную выставку в своей мастерской в Риме. Где монументальная картина постепенно сыскала всеобщее признание и была перевезена в Милан где она стала частью миланской художественной выставки. Уверенный в успехе Анатолий Демидов добился добавления своей картины в Парижский салон где картина Бирюлова получила большую золотую медаль.

Летом 1834 картину отправили в Санкт-Петербург, где ее преподнесли Николаю Первому. В августе того же года "Последний день..." был выставлен в Эрмитаж. Под впечатлением от картины Пушкин написал один из своих стихов, а Гоголь посвятил ей статью.

В 1851 году картина поступила в Новый Эрмитаж, а в 1897 году была передана в создаваемую в то время коллекцию Русского музея императора Александра III ,ныне Государственный Русский музей.

Лунная соната. Самое известное произведение Бетховена.

Соната для фортепиано №14 до-диез минор, ор. 27, №2. Однако сейчас она известна под более коротким названием "Лунная". Хотя сам Бетховен никогда так ее не называл. Соната №14 обязана своим именем музыкальному критику Людвигу Рельштабу, который сравнил ее звучание с лунным светом.

Лунная была издана вместе с Сонатой №13 и они обе были посвящены молодой графине Джульетте Гвиччарди, в которую влюбился известный композитор.

Весной 1803 обе сонаты были опубликованы. К сожелению, для Бетховена, Джульетта предпочла другого компазитора, Венцеля Галенберга. 

С разбитым сердцем Бетховен пишет Гейлигенштадтское завещание. После смерти компазитора, в его потайном ящеке в гардеробе было найдено "письмо к бессмертной возлюбленной" некоторые учёные считают что оно было посвященнт именно Джульетте Гвиччарди.

Клятва Горациев. Шедевр неоклассицизма.

Клятва Горациев - картина начавшая новую веху в истории европейской живописи. 

В 1784 году художник Жак Луи Давид переезжает в Рим собираясь нарисовать новую картину про римлян. Вместе с ним в Вечный город приезжает жена с детьми. Академия Святого Луки предоставила Давиду мастерскую в которой он работал два года с 1784 по 1786, никому не показывая результаты трудов. Когда же картина была представлена публике, та ее мгновенно возлюбила. "Клятву Горациев" называли величайшим почтением Риму. Пий VI лично приходил посмотреть на картину.

Вскоре картину отправили в Парижский салон, прообраз выставок, где она получила такую же любовь как и в Риме, несмотря на опасения Давида в обратном. 

Эта картина изменила не только карьеру своего автора, но весь европейский стиль рисования. Имя Жака Луи Давида прогремело на всю Европу.

Вене́ра Мило́сская. История великой статуи.

Вене́ра Мило́сская - Всем известная статуя изображающая богиню любви Афродиту. Созданная межу 130 и 100 годом до нашей эры, статуя до сих пор поражает своей красотой. 

Венеру Милосскую обнаружили в апреле 1820 года на острове Милос, на тот момент остров принадлежал Османской Империи. Узнав о находке посол Франции при дворе османского султана выкупил стартую и подарил ее Людовику 18-му он же отдал ее в Лувр где она стала центром греческий коллекции музея.

Когда Венера прибыла в Лувр ее восстановить, на тот момент у статуи отсутствовали руки, нос, левая нога, также в ее теле было множество дыр и трещин. Но по сохранившимся частям статуи было невозможно сказать, в каком положении были руки или было ли в них что-то. В итоге решили не восстанавливать руки. Остальные недостающие части сделали из гипса, им же заполнили дырки и трещины.

В 1870 году, директор Лувра, некий Феликс Равессон-Мольен решил перевезти статую на остров Сите вздание парижской префектуры.

Статую демонтировали и во время осмотра обнаружили что ее реставрировали ещё греки, в частности бедро Венеры было добавленно сильно позже во времена Античности.

Во время второй мировой Венеру вывещли из Парижа, но после вернули.

В 1964 году, когда статую перевозили в Японию на выставку она была несколько повреждена и после экстренного восстановления, и возвращения во Францию, было приятно решение никогда не вывозить статую из Лувра.

В 2009 году статую снова реставрировали, а заодно и исследовали методом гаммаграфии. Гаммаграфия позволила учёным уточнить местоположение и сохранность скрепляющих статую свинцовых стержней. А также прийти к выводу об относительной безопасности перевозки статуи целиком - попытка распилить стержни могла принести непоправимые разрушения. 

В ходе реставрации были удалены старые гипсовые части. Под ними были обнаружены следы реставрации 1821 года. Вместе с этим под одной из заплаток, той что закрывала дыру под грудью, обнаружили записку с текстом "Реставрирована 5 апреля 1936 года мраморщиком Либо, Лувр" до этого момента никто не знал о ресторации 1936 года.

На спине статуи, обнаружили два отверстия предположительно в них древние греки заливали расплавленный свинец для укрепления каркаса.

В настоящее время Венера выставляется на первом этаже Лувра, в 347-м зале.